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‘Festen’, o ¿cría cuervos…?

abril 4, 2017

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Generará como mínimo curiosidad si les digo que se está presentando estos días en el Centro Dramático Nacional la adaptación al teatro de Festen (La Celebración), recordada y multipremiada película danesa que escribiese y dirigiese en 1998 Thomas Vinterberg, acerca de los más oscuros secretos de una familia acomodada y qué ocurre cuando ha de confrontarse con la realidad; y que ahora llega en una versión teatral que firma Bo Hr. Hansen y dirige Magüi Mira con un elenco lleno de grandes nombres de la escena -con distintos resultados en su conjunto-. Una puesta en escena que muestra un marcado gusto por la estética y que alcanza algunos momentos de innegable temperatura dramática; pero que tal vez peque de una dramaturgia que comete alguna concesión innecesaria, revelando datos principales antes de tiempo.

A la celebración de los 60 años del patriarca de una familia de clase alta acuden sus tres hijos -con sus respectivas parejas-, la madre y esposa abnegada y el servicio que lleva atendiendo a la familia toda la vida. Incluso el fantasma de una cuarta hija, muerta hace unos meses en extrañas circunstancias deja sentir su presencia en la estancia. Lo que debería ser una velada perfecta pronto amenazará con hacer temblar los cimientos de esa familia intachable, cuando el hijo mayor saque a la palestra durante un brindis una acusación gravísima hacia el padre. Será sólo el punto de partida para que todos los miembros de la familia tomen parte en un conflicto que demuestra que detrás de esa familia acomodada y modelo hay mucha más mierda de la que parece a primera vista; en un entorno en que los hijos pueden parecer cuervos criados que podrían arrancar los ojos del patriarca… aunque quién sabe si es justo lo que este padre merece… Y ante una injusticia, ante un delito ¿actuar y romper el canon establecido o cerrar los ojos y fingir que no está sucediendo nada, para no alterar el orden familiar? Esa es una de las grandes preguntas que arroja Festen al fin y al cabo.

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Creo que lo verdaderamente interesante -y peligroso a la hora de ponerlo en escena- de Festen seguramente sea entender la historia como una corriente subterránea que acaba por salir a la superficie: sabemos que va a estallar, sabemos que algo no va a ir bien; pero en esta historia todos los personajes valen más por lo que callan que por lo que dicen. Quiero decir, lo importante en Festen no ha de ser tanto ese estallido y sus consecuencias; sino el camino que emprende cada personaje hasta llegar a estallar: lo que traen en sus maletas, examinar sus circunstancias y lo que cada uno de ellos va a perder una vez que el asunto salte por los aires. Incluso el ámbito de la duda razonable sembrada en el público debería ser un arma con la que la versión podría jugar; pero que sin embargo, en mi opinión, le juega una mala pasada a la obra…

A lo largo de la cena, Christian -el hijo mayor- lanza una acusación al padre que es el pistoletazo de salida del conflicto; una acusación que los personajes dan en principio por falsa y que permitiría que el público trabajase sobre esa duda de si Christian exagera, malinterpreta o directamente miente… Sin embargo, en la presente versión se ha decidido que Helen -otra de las hijas- encuentre una carta de su hermana muerta al comienzo de la función; una carta que descubre el pastel y que Helen lee en voz alta dos veces: al comienzo, al público -en lo que debería ser un ‘para sí’- y hacia el final, a toda la familia. Por medio de esa carta -cuyo contenido conocemos como público porque hemos visto cómo Helen la lee- el espectador ya sabe que la acusación que lanza Christian es cierta de antemano; y creo que esta decisión le resta bastante peso al conflicto. Me explico: no ocurre nada porque Helen encuentre la carta al principio de la función, la lea, conozca su contenido y se la reserve hasta el final… pero creo que el conflicto ganaría para el espectador si supiésemos que Helen ha encontrado una carta pero desconociésemos su contenido hasta el final. Esta opción -dramatúrgicamente más potente, en mi opinión- nos hubiese permitido elucubrar, dudar y plantear la trama en un sentido multidireccional; que se vuelve sin embargo unidireccional una vez que sabemos de antemano que, efectivamente, está ocurriendo eso que se nos dice. Creo que este punto estructural merecería replantarse; porque, por lo demás, la intriga está bien trazada y la función contiene, como digo, momentos de buena temperatura dramática.

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Creo que, con los peros que se le puedan poner, este es uno de los trabajos más logrados de Magüi Mira como directora; y, seguramente, el más arriesgado. Primero, porque se vale de un espacio diáfano con el público a dos bandas, en el que apenas precisa de una mesa y un piano -firman la escenografía Mira y Javier Ruiz de Alegría, con iluminación bien aprovechada de José Manuel Guerra y vestuario, en negros, blancos y rojos, de Caprile- para conseguir sin embargo ciertas atmósferas bastante logradas. Un montaje que podrá recordar vagamente a Tomaz Pandur -esa mesa y ese momento con la copa de vino llaman directamente a La Caída de los Dioses- en ciertas decisiones estéticas; pero que sin embargo nunca llega a parecer estéticamente cargante, ni a usar la estética por cuestiones gratuitas; e incluso la música en directo -mucha, en el que seguramente es también el mejor trabajo de David San José para teatro de entre los que le haya visto hasta la fecha- aparece bastante bien encajada en el conjunto con la excusa del marco de la fiesta. Se introduce como una presencia constante el fantasma de la hermana muerta, pero nunca llega a resultar un estorbo; y la utilización de la luz es muy útil para marcar tiempos y esferas. Hay también bastante buen dominio del crescendo dramático -que no estén todos arriba todo el tiempo-; aunque quizá en algunos personajes concretos -pienso en tres: Michel, Helen y, sobre todo, Fabrizio (que ha de actuar como elemento externo y conciliador; y parece tan implicado en el drama como la propia familia)- convenga bajar el tono, porque aparecen bastante disparados. Al margen de estas cuestiones de que convenga relajar algunos momentos -e incluso despojar a la función de un simbolismo final que, para mi gusto, se pasa de evidente- lo cierto es que Mira acierta esta vez al construir un montaje estético -pero casi nunca recargado-; con momentos muy logrados y alguna que otra irregularidad en el tono del reparto.

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Diez actores y un elenco que es, sobre el papel, espectacular; pero en el que no todos rinden a la misma altura. Primera convención: hay que hacer casi un dogma de fe para creernos que algunos actores sean padres e hijos -y ojo, no hablo de edades sino simplemente de apariencia física-, pero esto se asume rápidamente porque ya ha pasado en tantos y tantos montajes. Por lo que respecta a las interpretaciones, puede que lo mejor venga de Carmen Conesa -que es presencia silente y secundaria durante buena parte de la función, pero que una vez que se introduce al meollo coloca las frases con una frialdad lapidaria y muy expresiva-, Carolina África -que tiene el acento de su Mette muy bien construido, y mantiene el tipo de forma admirable en un personaje (la intrusa) que podría parecer desagradecido con respecto al resto- y Jesús Noguero, siempre encantador de serpientes lleno de elegancia en su mayordomo. Los tres brillan por derecho propio, en roles que en principio podrían estar menos pensados para brillar. En papeles más relevantes, Roberto Álvarez se maneja mejor de lo esperado en un personaje (el patriarca acusado) con un perfil bastante alejado a cualquier cosa que le haya visto antes: lo juega bastante bien, y confiere a su personaje una dignidad constante y casi perversa que conviene al perfil -perfil que por cierto creo que hubiese dado muchísimo juego si se optase por jugar con la duda razonable de la veracidad de los hechos-. Gabriel Garbisu no suele fallar y tiene mucho que hacer en Christian, y todo lo hace francamente bien: tiene el aplomo, la presencia y las formas que ha de tener todo buen protagonista; un Señor Actor. Karina Garantivá, muy en su sitio, encuentra en la criada Pia -es de ley decirlo- su trabajo más logrado de cuantos haya hecho en el CDN, e Isabelle Stoffel confiere rotundidad y elegancia al personaje del fantasma de la hija muerta -vestida en rojo pasión en fuerte contraste con los tonos oscuros del ‘mundo de los vivos’-. Puede que cada uno por un motivo distinto, pero convendría bajar el tono y la energía que desprenden Clara Sanchis -de acuerdo en que su personaje descubre el pastel antes que ninguno; pero le siguen sobrando revoluciones… y me temo que esto es una cuestión de dirección-, Manu Cuevas -que ha de pelear con un look que no favorece especialmente y tiene momentos estimables aquí y allá; pero también ganaría si se relajase un poco al comienzo porque entra disparado…- y, sobre todo, David Lorente -excesivo en un papel (el del novio recién llegado) que tiene la papeleta de templar los ánimos y relajar la tensión: un papel que lo tiene todo para llevarse la función de calle pero que pierde porque Lorente tiende a exagerarlo más de la cuenta-.

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Función difícil, con algunos momentos de incuestionable interés tanto en una puesta en escena ingeniosa y resolutiva como en el nivel de algunas interpretaciones. La versión del texto tiene, a mi entender, una laguna de difícil justificación; y habría que afinar más el tono de algunas interpretaciones para alcanzar un resultado más homogéneo. Pese a todo, es un trabajo interesante, que se sigue con gusto y deja momentos de hermosa entrega.

H. A.

Nota: 3.5/5

Festen”, de Thomas Vinterberg y Mogens Rukov. Adaptación teatral: Bo Hr. Hansen. Con: Roberto Álvarez, Carmen Conesa, Gabriel Garbisu, Manu Cuevas, Clara Sanchis, Jesús Noguero, David Lorente, Karina Garantivá, Carolina África e Isabelle Stoffel. Dirección: Magüi Mira. CENTRO DRAMÁTICO NACIONAL

Teatro Valle-Inclán (Sala Francisco Nieva), 26 de Marzo de 2017

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