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‘La Casa de Bernarda Alba’, o Bernarda también es humana

octubre 25, 2016

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Decía hace no mucho cuando hablaba de Los Caminos de Federico que la palabra de García Lorca es a menudo lo suficientemente poderosa como para valerse por sí sola. Buena prueba de ello da ahora esta versión de La Casa de Bernarda Alba que, bajo la dirección de Santiago Meléndez, se está viendo en el Teatro Fernán Gómez: una Bernarda despojada de escenografía, despojada de artificio y centrada no sólo en la palabra de Lorca; sino también -y casi diría, sobre todo- en darle a esa palabra una nueva fuerza, una nueva intención. Una Bernada fiel y respetuosa, pero que corre ciertos riesgos en sus niveles de lectura; y que seguramente no se represente en el tipo de espacio que más permita que la propuesta luzca como podrá en otros lugares.

Es La Casa de Bernarda Alba un texto al que nuestro teatro vuelve con razón una y otra vez; del que todos hemos visto versiones memorables y que sube a los escenarios casi constantemente. Es por ello por lo que muchas veces resulta complejo encontrar algo nuevo que decir, algo nuevo que aportar; algo que justifique un nuevo montaje de la Bernarda Alba; más aún cuando no se cuenta con un elenco de nombres estelares -que suele ser uno de los principales motivos para poner en pie esta obra-; pero sí de intérpretes solventes. De la presente versión podemos destacar como principal novedad que, apoyándose en la palabra como elemento principal; ofrece sin embargo un peculiar acercamiento a la obra, por lo que al tono se refiere.

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Sillas y cicloramas como únicos elementos escénicos. Por este frío escenario, con algo de asfixiante por su desnudez -y por las descomunales proporciones de la sala que, lo digo desde ya, no ayuda al montaje- deambulan Bernarda y su familia. La lectura de Santiago Meléndez podría dirigirse en dos sentidos: una apuesta por una lectura más realista que meramente poética en la transmisión del texto y ciertos tintes poético-coreográficos en la puesta en escena, situando ambas vertientes en equilibrio. Por un lado, parece querer alejarse de un tono esencialmente poético y enfocarse hacia una lectura más realista: así, sus personajes están más cercanos a lo cotidiano. El ejemplo claro es el de una Bernarda que es aquí una dominadora, sí; pero mucho más una tirana ácida y hasta irónica que la mujer amargada que estamos acostumbrados a ver. Es un enfoque de personaje ciertamente audaz e interesante, que quizás nos ayude a entender la tragedia de una mujer que después de todo es hija de su época y ha tenido la desgracia de nacer donde nació. Meléndez no pretende justificar el comportamiento de Bernarda, pero su lectura lo acerca al público de manera decisiva, porque permite que podamos comprender lo obtuso de su comportamiento. Sobre este eje -que es la mayor particularidad de la versión- se asienta todo el enfoque, y este enfoque repercute en el resto de los personajes para bien y para mal. Así, las cinco hijas también viven su tragedia desde lo cotidiano, más que desde lo poético y lo excesivo: aparecen enfocadas con una resignación que me atrevería a decir que -en esta lectura- ya han aprendido a asimilar con el paso del tiempo: saben que no hay otra salida y se conforman con lo que hay, intentando estar lo menos amargadas que les sea posible; y viven su explosión de sensualidad como algo más natural y silenciado que reprimido. De la misma manera, la Poncia -que en la mayoría de las versiones suele ser el contrapunto pacífico-, aquí aparece -supongo que por contraste lógico con esta Bernarda renovada- pierde algo de fuerza al mostrarse más desagradable que de costumbre… Todo este enfoque ‘cotidiano’ puede chocar a primera vista; pero acaba siendo una de las grandes bazas de la función, una de esas características que justifican en acercamiento a las que me refería antes.

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Asumido esto, sorprenden sin embargo dos aspectos de la lectura de Meléndez: por un lado, me quedo con la sensación de que el enfoque de corte casi cómico que aporta a María Josefa -la madre de Bernarda, que se expresa desde la poesía onírica- desdibuja algo de la naturaleza del personaje -en mi función, con un instituto detrás de mí, provocó carcajadas que creo que no deberían caber ahí- ; y por otro lado, que consienta algunos aspavientos a sus actrices en los últimos instantes de la tragedia: unos pocos momentos de exceso que -en consecuencia con el enfoque digamos más realista que parece desprender esta versión- creo que no deberían tener lugar, y a mí personalmente me sacan por un momento del tono del resto de la función; más aún cuando ese tono que parece buscar ‘normalizar’ la tragedia está bastante bien llevado durante buena parte de la función.

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En otro orden de cosas, los detalles plástico-corporales -pocos, pero justos y necesarios- que ofrece el montaje están sin embargo muy bien pensados e insertados en el conjunto: son estéticos y no resultan metidos con calzador, cosa que no siempre es fácil… La escena final, en este sentido, es tan sencilla de planteamiento como visualmente hermosa. El juego de colores del ciclorama -que va variando durante la función, siempre en tonos intensos- no siempre favorece -algún violáceo es bastante feote…-, y siento que los juegos de luces y sombras no se aprecian como debería en una sala como esta, de descomunales proporciones. La selección musical podría acaso tener menor presencia.

No hay como digo grandes nombres en el elenco actoral; pero eso no quita para que los trabajos sean en general de la máxima honestidad, por mucho que haya altibajos -los hay-. El enfoque que se le da a Bernarda -tan cercana, tan humana esta vez en su ceguera pertinaz- permite que María José Moreno se pueda lucir en su acercamiento; muy alejado del de otras, pero con ese matiz humano que convierte a su Bernarda en algo distinto y especial. Casi todas las demás quedan más o menos eclipsadas por esta presencia. Si Rosa Lasierra no termina de destacar en Poncia creo que es más por esa cuestión de contraste inesperado que comentaba al principio que por una cuestión de la actriz: en cualquier caso, siento que la Poncia queda algo desdibujada. Irregulares las cinco hijas, entre las que hay que destacar obligatoriamente la pareja formada por Ana García en Angustias e Irene Alquezar en Martirio, que sirven sus personajes -siempre peliagudos por lo antipáticos que pueden resultar- en el punto justo como para que parezcan perfectamente humanas; quedando el resto algún escalón por debajo. Pilar Doce, por su parte, se gana a pulso el aplauso por sus apariciones como María Josefa; aún cuando no termino de tener claro que ese sea el enfoque más adecuado para el personaje, que me recordó no poco a aquella entrañable abuela de Verano en Diciembre -nuevamente opción de dirección-. Correctas el resto de comprimarias en sus respectivos cometidos.

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Así pues, en esta versión de La Casa de Bernarda Alba se notan claramente tanto las buenas intenciones como la mano de un director que es actor, y que ha sabido claro trabajar con las actrices. Este escenario y esta sala son para este montaje tan desnudo -e incluso para esta obra en general, que pide intimidad a gritos- una trampa mortal casi insalvable y hay que señalarlo: y seguramente haya en la propuesta cosas que pulir, altibajos y cosas discutibles aquí y allá -y eso en una obra que hemos visto tantas veces no deja de ser hasta cierto punto un lastre…-; pero siempre es interesante encontrarse con una excusa para volver a disfrutar de la intensidad de la poesía lorquiana.

H. A.

Nota: 3/5

La Casa de Bernarda Alba”, de Federico García Lorca. Con: María José Moreno, Rosa Lasierra, Ana García, Inma Oliver, Irene Alquezar, Gema Cruz, Minerva Arbués, Pilar Doce, Yolanda Blanco, Ana Pérez de Saracho y Sonia Lanuza. Dirección: Santiago Meléndez. FACTORY PRODUCCIONES / SANTIAGO MELÉNDEZ

Teatro Fernán Gómez (Sala Guirau), 21 de Octubre de 2016 (20.00 horas).

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