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Hemos leído….’Unha Primavera para Aldara’, de Teresa Moure

enero 24, 2011

Lo primero, hemos cumplido 2000 visitas, y para celebrar el aumento imparable del blog, incorporamos una nueva sección de comentarios de lecturas teatrales. Esto es, teatro al que nos hemos acercado a través del texto, y no a través de una representación en teatro. Para empezar, uno de los éxitos recientes de la creación teatral gallega, Unha Primavera para Aldara, de Teresa Moure (Monforte de Lemos, Lugo, 1969), que fue Premio Rafael Dieste de teatro 2007, y que en 2009 arrasó sin piedad en los Premios María Casares de Teatro (incluyendo, obviamente, Mejor Texto Original). Ahora, la editorial Xerais acaba de preparar una nueva edición del texto, bastante más fácil de conseguir que la anterior.

Portada de la presente edición de Unha Primavera para Aldara

Cuando Teatro do Atlántico montó Unha Primavera para Aldara en 2009 (protagonizaban María Bouzas, Pilar Pereira, María Barcala y Belén Constenla y dirigía Xulio Lago), al ver la representación tuve inmediatamente la sensación inequívoca de estar no solo ante un espectáculo muy elegante, sino también, y sobre todo, ante un material teatral muy, muy potente. Recuerdo haber comentado la función con mucha gente, porque me había impactado casi más el contenido que el continente.  Luego, arrasó en los María Casares, y recuerdo haberme acercado a un par de actrices para decirles el fuerte impacto que me había producido el espectáculo. Desafortunadamente, en aquel momento no tuve ocasión de comentar el texto con la propia autora, que también estaba. Veamos algunas imágenes de aquel montaje:

Belén Constenla y María Bouzas

Lucía Regueiro y Marcos Correa

Una escena de conjunto en el convento

Amparo Malo y Lucía Regueiro con el bebé de la discordia.

Hoy, Enero de 2011, dos años después, ha caído en mis manos el texto. Quien me conozca sabrá que defiendo que el teatro no se lee, se ve, pero reconozco haber devorado las 240 páginas de esta edición en apenas un par de días. Y me sigue pareciendo un material muy, muy potente.

Una obra compleja del derecho y del revés: por lo que parece que cuenta, por lo que realmente cuenta y, sobre todo, por cómo lo cuenta, desafiando la pretendida economía teatral. El texto exige la friolera de quince personajes y nueve espacios de acción, que cambian sin cesar a lo largo de treinta y nueve escenas. Y, para colmo, es una obra de época… Vamos, que a priori lo tiene todo para convertirse en algo inmontable.

 En aquel momento yo no lo sabía, pero el espectáculo que presentó Teatro do Atlántico fue una versión convenientemente reducida a todos los niveles. Quien, como yo, haya visto la obra en teatro y ahora la lea, se va a dar cuenta enseguida de dónde y por qué están los mordiscos, pero la verdad es que echando cuentas, y viendo que la narración casi no se resiente, parece que Xulio Lago hizo un inteligente trabajo con el texto: se contaba todo lo que había que contar, aunque el original se detenga más en algunos puntos que el espectáculo pasaba por alto.

Vamos ya al texto: la acción transcurre en un convento de monjas en el siglo XV en Galicia, en plena Revuelta Irmandiña (que, para los que no lo sepan, fue una revuelta contra el feudalismo que acabó como el Rosario de la Aurora…). Por cosas de la vida, las buenas monjitas tienen que acoger a un guerrero herido de guerra, que viene para quedarse de pasada y acaba quedándose durante meses. El tiempo y un amor que no es lo que parece, un bebé que no parece lo que es, y una lucha interna secreta por el poder en el convento tejen una trama que tiene amor (pero ojo, no amor al uso) y tiene personajes que evolucionan: Las que saben, las que saben demasiado, las que empiezan a saber y las que están aprendiendo a mirar. Muchos personajes, sí, pero todos con una historia propia y con algo que decir, muy bien caracterizados: unas perseguidas por un pasado que las ha marcado irremediablemente, y otras intentando evitar entre revolcones un futuro que se les promete tan evidente como poco boyante. Y, en el medio, una historia de amor. Bueno, cuatro: una de amor perdido, otra de amor que se escapa de las manos casi antes de que puedan tocarlo, otra de amor cárnico y otra de (des)amor.

La estructura narrativa está llena de paralelismos, que al final ayudan a cerrar el círculo y a comprender cosas de unos personajes incluso a través de otros. El lenguaje, un gallego adecuadamente arcaizado, se comprende y tiene pulso y ritmo, aunque no renuncia a contar con bellas imágenes poéticas una historia que podría ser sexualmente incómoda. Y ahí reside el poder del texto, en contarnos de una manera exquisitamente poética una historia bastante turbia y atrevida, en irnos metiendo en el drama casi sin que nos podamos dar cuenta, hasta que no hay vuelta atrás; pero, sobre todo, el mérito está en presentar a unos personajes que, pese a estar a seis siglos de distancia, nos resultan humanos y cercanos: les entendemos, entendemos sus flaquezas, sus debilidades, y sus razones para salvarse o condenarse. Y, cuando llegamos al final, asumimos la tremendidad de la historia que nos acaban de contar a través de unos personajes emperrados en mantener su dignidad como individuos, sea como sea.

Portada de la primera edición de Unha Primavera para Aldara

Puede parecer una obra feminista. Es una obra feminista. Pero detrás de esta obra feminista hay una infinidad de temas más, una pluralidad de lecturas e interpretaciones (leyéndolo ví claramente cosas que en el montaje apenas se intuían, como una marcada sexualidad reprimida en el personaje decisivo de la boticaria…) que nos hacen pensar que estamos ante uno de los textos teatrales más atrevidos, importantes y eficientes de la literatura gallega reciente. Sería interesante que llegase de algún modo al resto de España. Y no me importaría ver una reposición en un par de años.

“Unha primavera para Aldara”, de Teresa Moure (2006). Colección Fóra de Xogo. Editorial Xerais. 1ª edición: Agosto 2009. Precio: 16 euros.

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