Con la presentación española en castellano -se ha representado en Barcelona en catalán el pasado año- de Agosto (Condado de Osage), de Tracy Letts (1965-) posiblemente estemos no ya solo ante el acontecimiento teatral de la temporada –que lo será, sin ningún género de dudas- sino también ante uno de los estrenos más importantes de la última década, por varios motivos. Primero, por el soberbio elenco reunido –capaz de unir nombres de sobrado talento y dilatadas carreras con nombres jóvenes que ya pisan fuerte en el panorama teatral español- y, después, por lo destacable del texto.

Un texto de casi cuatro horas de duración, en el que Tracy Letts pone en juego a una saga familiar americana –tres generaciones- por medio de la friolera de 13 personajes que deben convivir en una gran casa, a partir de la desaparición del patriarca de la familia. No se soportan, juegan a herirse los unos a los otros y todos acaban perdiendo una u otra cosa, en una historia que habla, ante todo, de desintegración.

Siempre me han gustado este tipo de conflictos familiares, esas historias donde realmente no sucede nada y a la vez sucede todo. Letts presenta algo que posiblemente no se veía en el escenario de un teatro desde los tiempos de Tennesse Williams (viendo esto es imposible no pensar en una suerte de prolongación en el tiempo de Gata sobre el Tejado de Zinc Caliente), y que también recuerda inevitablemente a Chéjov (pienso obviamente y salvando las distancias, primero en Las Tres Hermanas y después en Tío Vania) o incluso Arthur Miller (Muerte de un Viajante) o Edward Albee. Pasa la vida, lentamente, mientras una marcada violencia irónica va marcando tanto a los personajes como al espectador. Veamos: la matriarca, Violet Weston, debe asumir la ausencia del marido, y su inminente final a causa de un cáncer de boca; y la única manera que encuentra es hincharse a pastillas. Las tres hijas, intentan seguir con su vida: a la mayor, Barbara, empieza a perder el control sobre su propia vida, con un ex-marido cornudo y una hija preadolescente adicta a la hierba; la mediana, Karen, aparentemente ha conseguido la vida perfecta junto al hombre perfecto… o no; la pequeña, Ivy, intenta sobrevivir, mientras la vayan dejando… Acuden también a la reunión Matty Fae, la hermana de Violet, su hijo y su marido. Por último, la criada india contratada por el padre poco antes de su desaparición actuará de elemento vertebrador, y, de alguna forma, es la prolongación de este en la Tierra, como el ojo que todo lo ve y todo lo calla.

Letts se toma su tiempo para escribir, y lo que consigue es una profunda caracterización de todos los personajes. Lo sabemos todo sobre ellos, cómo son, qué piensan, qué harían, qué no harían… y una vez que los tenemos a todos, los hace colisionar en una suerte de hecatombe cósmica que arrasa todo a su paso. Son unos personajes pusilánimes y repulsivos, que están sin embargo muy cerca de lo que somos todos nosotros, de forma que todos nos podremos reconocer en sus comportamientos, a la vez que reconoceremos a nuestra tía, a nuestra hermana, a nuestra amiga del instituto o al vecino del segundo. Letts escribe desde la ironía, y nos hace sonreír ante algo que vemos, y que no nos gusta, hasta que lo que no nos gusta, lo que tan bien (re)conocemos comienza a hacerse ciertamente insoportable. Entonces comienza la verdadera tragedia, los silencios, y alguna risotada inoportuna de un público que seguramente sale un poco más miserable de lo que entra, y que necesita liberar tanta tensión por alguna parte. Esta obra trata, después de todo, sobre el infierno de la familia.

Mucho que contar tiene Gerardo Vera, en la que creo que es la primera propuesta teatral que le veo. A pesar de que algunos montajes operísticos suyos no me habían convencido, aquí sí muestra una gran intuición, ayudado por una soberbia e imponente escenografía de Max Glaenzel, que muestra una gran casa de muñecas abierta, con todas sus habitaciones dispuestas en varias alturas unidas por una gran escalera central. Así, Vera no solo se ocupa de la escena principal que esté teniendo lugar, sino que también nos muestra lo que hacen otros personajes que no están en esa escena, pero sí en otra habitación de la casa: jugar a las cartas, dormir, leer, fumar porros… extendiendo también la acción al patio de butacas, que usan eventualmente algunos personajes para alejarse de la casa, sin que este recurso estorbe nunca al público. Al final, suceden tantas cosas al mismo tiempo que habría que ver la función dos veces para captarlas todas. Es también un acierto el uso del vídeo (Álvaro Luna), que permite a Vera mostrarnos escenas del pasado de los personajes para separar actos y escenas, así como conseguir momentos de marcada plasticidad, como el que abre la segunda parte.

Obra difícil, obra coral que gira alrededor de dos ejes vertebradotes (Violet, la madre, y Barbara, la hija mayor), pero en la que todos tienen algo que decir, todos dejan alguna frase memorable y las escenas de conjunto son constantes. Se necesita un reparto de primer nivel, y aquí lo hay. Amparo Baró regresa a los escenarios tras muchos años de ausencia y lo hace como Violet Weston, la matriarca, el eje vertebrador de esta familia. Por momentos odiosa, por momentos sensata, otros tierna –la escena de las botas, que justifica buena parte de lo que es su comportamiento actual-, y a veces desvalida, Baró recorre una amplia gama emocional con acierto, y permite compadecerse de un ser que podría ser absolutamente repugnante. Sus escenas finales, primero con Barbara, y luego sola buscando a la criada india, son de una emoción marcadísima. Claro que tiene a su lado a una Carmen Machi que realiza, como Barbara, la hija mayor de Violet, la que posiblemente sea la mejor interpretación de su carrera: está demoledora, intensa, dramática, comportándose como una leona dispuesta a llevarse por delante todo lo que se cruce en su camino aunque, como todos en esta función, también tenga su corazoncito. Sus enfrentamientos constantes con Baró son antológicos, y el último corta la respiración, y produce un intenso silencio en la sala. Quienes vamos al teatro hace tiempo que dejamos de tenerla encasillada como artista de telecomedia. La habíamos  visto en papeles dramáticos. Posiblemente nunca tanto como este, ni de tal intensidad. Espectacular, amenazando a veces con robarle el protagonismo a Amparo Baró.

El resto de papeles actúan como una especie de coro griego en la batalla campal de estas dos mujeres, aunque todos tienen su historia propia y todos encuentran su momento. Sonsoles Benedicto, como Matty Fae, la hermana de Violet, está estupenda en su despotismo cargado de ironía; por su parte, Abel Vitón, como su marido, tiene la misión fundamental de relajar la tensión que reina en la casa, y lo hace admirablemente. Finalmente he comprobado de primera mano el potencial de Irene Escolar, que hace una creación del complejo personaje de Jean (la hija cultureta y fumeta de Barbara) porque está siempre convincente por físico y formas -a pesar de lo complejo de hacer un personaje de 14 años cuando se tienen 22-, y consigue focalizar la atención sobre ella incluso en aquellas escenas en las que no es parte esencialmente activa de la acción –pienso en la cena, por ejemplo-. Clara Sanchís está espléndida como Karen, la hija despreocupada de Violet, cuyo objetivo principal es que la dejen vivir su vida, y mejor si es lejos: habla a toda mecha, muchas veces rayando lo neurótico, y, sin embargo, todo se le entiende perfectamente, además de dotar de humanidad al personaje cuando es preciso; su futuro marido, Steve, es un gañán baboso de los de aquí te espero, que construye admirablemente Gabriel Garbisu: escenas memorables junto a Irene Escolar. Alicia Borrachero, Ivy, otra de las hijas de Violet, tiene una sinceridad que es muy de agradecer a la hora de crear el personaje, y consigue tirar del carro con acierto ante una pérdida de texto tan momentánea como notoria. Quizás nos cueste entender qué le ve su personaje a su alelado primo Charles (estupendo Markos Marín), pero el propio Letts se encarga dce dejárnoslo claro en un texto que no da puntada sin hilo.

Hay más, no se crean. El internacional Antonio Gil, extraordinario, hace algo prodigioso con Bill, el ex marido de Barbara: conseguir que nos caiga bien un tipo que en principio ha hecho todas las cosas mal en su vida. Aplauso grande también para Marina Sereseky como Johnna, el ama de llaves inmigrante, en un papel dificilísimo: primero, porque es, de alguna manera, la prolongación del padre ausente, que parece haberla colocado ahí casi a propósito; y después, porque no tendrá mucho texto, pero está omnipresente e impasible ante todos los conflictos familiares que se le ponen delante; es un papel muy largo, basado en el gesto, y lo hace muy bien. Chema Ruíz está también estupendo como el jefe de policía que investiga la desaparición del patriarca familiar. ¿Y qué decir del patriarca familiar? Pues sencillamente, que tener a un actor con la presencia imponente de Miguel Palenzuela para un papel tan corto como fundamental en la trama (porque aparece en escena 10 minutos, pero es el detonante de cuanto sucede, y se le recuerda una y otra vez) es un lujo que pocas compañías se pueden permitir: supongo que Gerardo Vera busca que el público recuerde su figura constantemente a lo largo de toda la función. Y vaya que si lo consigue. Lástima que no salga más tiempo.

El resultado, es una función brillantemente escrita (tiene el Pulitzer 2008, debería estar ya estudiándose en las clases de Literatura…), brillantemente interpretada y brillantemente montada, que consigue una conexión inmediata y constante con el público, que ríe para descargar tensión, calla con tensos silencios y recibe el final del espectáculo con diez minutos de bravos en pie –y un servidor el primero-. Solo se les puede reprochar el uso de microfonía –leve pero notoria- que, aunque podría ser justificable por las múltiples alturas con que juegan en la escenografía, no siempre está bien controlada, y provoca a veces ligeros acoplamientos, o ruidos excesivos de los objetos que se manipulan o se arrojan al suelo. Por lo demás, una función memorable.

Nota: 4.5/5

“Agosto (Condado de Osage), de Tracy Letts. Con: Amparo Baró, Carmen Machi, Sonsoles Benedicto, Alicia Borrachero, Irene Escolar, Clara Sanchís, Antonio Gil, Gabriel Garbisu, Marina Seresesky, Abel Vitón, Markos Marín, Miguel Palenzuela y Chema Ruíz. Dirección: Gerardo Vera. CENTRO DRAMÁTICO NACIONAL.

Teatro Valle-Inclán (Madrid). 20 de Febrero de 2012.

Hablar del tándem Miguel Ángel Solá-Blanca Oteyza es hablar de taquillazos y de sentimientos. Hace ya algunos años, nos pusieron a todos un nudo en la garganta con aquella versión (muy) libre de El Diario de Adán y Eva. Reaparecieron después con Por el Placer de Volver a Verla, una obra ciertamente inferior a su predecesora, aunque nada desdeñable. Ahora, como no hay dos sin tres, se han reinventado: Miguel Ángel Solá se ha bajado de las tablas (renunció a interpretar el personaje protagonista al no considerarlo adecuado a su edad), y dirige a Oteyza, junto a Sergio Otegui, un invitado que viene a unirse al tándem triunfador. Y con Antes te Gustaba la Lluvia han encontrado de nuevo un soberbio texto (esta vez sí) que llevar a escena. 

La dramaturga holandesa Lot Vekemans (1965-) es, a la vista de su biografía, uno de los nombres fundamentales del teatro más rabiosamente actual. Con este texto, Antes te Gustaba la Lluvia, consigue tres cosas que son clave en el éxito de cualquier obra teatral: golpear al espectador, hacerle pensar y presentar a los personajes en la cuerda floja de una situación extrema, aunque siempre sin juzgarles.

Un hombre y una mujer se reencuentran 12 años después de que él abandonase la casa en la que convivían como matrimonio. No se han visto desde entonces y deben tomar una decisión sobre qué hacer con los restos de su hijo pequeño (muerto poco antes del divorcio), ahora que parece que el cementerio debe retirar algunas de las tumbas. La anécdota de este encuentro da pie a que conozcamos las circunstancias pasadas y presentes de ambos personajes, y permite hurgar en el dolor de dos personas que intentan enfrentarse a la vida y a la pérdida lo mejor que pueden y lo mejor que saben.

Sin renunciar a momentos de fuerte tensión dramática, maquillados con finas pinceladas de ironía aquí y allá, Vekemans huye drásticamente de la lágrima fácil (cosa que se agradece), y se mueve desde lo particular hasta lo general: la problemática inicial acaba sacando a flote una maraña de relaciones humanas en las que se podría ver identificado cualquier espectador, independientemente de que la situación personal por la que atraviese sea o no semejante a la de estos personajes. Dos posturas opuestas, dos maneras de vivir, cada una, por supuesto, con sus carencias. Será el espectador el que juzgue quién gana y quién pierde qué en este combate por la supervivencia. Los personajes solo deben decidir si quieren salvarse o prefieren dejarlo correr e intentar seguir con sus vidas.

Ayuda al éxito la perfecta  construcción del diálogo: fresco, directo, libre de cursilerías y encorsetamientos, y con un hábil uso del recurso del punto suspensivo (magistralmente utilizado por la autora); algo que parece que han captado muy bien en este montaje donde a veces lo que no se dice debe completar (o incluso contradecir) lo que se dice. Los silencios y las miradas de los actores hacen aquí el resto.

Para este texto habrían hecho falta dos actores de raza, que se entregasen como bestias escénicas a la función. Aquí, desgraciadamente, dentro de una solvencia, no siempre es así. Lo primero que hay que decir es que se nota la ausencia de ese soberbio actor que es Miguel Ángel Solá. Él dice que se sentía mayor para este personaje, pero yo creo que los espectadores hubiéramos sabido hacer dogma de fe con tal de disfrutar de su trabajo. Lástima. Convence, sin embargo, Sergio Otegui, que no tendrá la genialidad de quien aquí le dirige (seguramente tampoco la pretenda), pero sí es un actor solvente y comunicativo, que sabe crear un personaje adecuadamente introspectivo, humano y libre de aspavientos gratuitos; pero siempre subrayando la tensión reprimida con gran eficacia. Tal vez, eso sí, debería llorar con más naturalidad en la única escena en que debe hacerlo. Baja algo el nivel una Blanca Oteyza que se busca y se encuentra conforme avanza la función: entra recitando un texto, y sus primeros arrebatos de reproche se acercan más por momentos a una sit-com con una señora neurótica que al drama que debería ser. Superado un inicio ciertamente mejorable, se entona, sin embargo, conforme la situación se va volviendo más oscura, y acaba decididamente mejor de lo que empieza. Quizá falte entre ambos la química que sí se respiraba entre Solá y Oteyza, pero a pesar de todo hay grandes momentos de tensión dramática, sobre todo hacia el final.

La escenografía de Miguel García de Oteyza es esencial, y Miguel Ángel Solá acierta paseando a los actores con naturalidad, y marcando miradas, silencios y puntos suspensivos para concentrar toda la atención en el texto que, después de todo, es la razón de existir de este espectáculo: encontrarse con la prosa de Lot Vekermans.

Nota: 3.75 / 5

“Antes te Gustaba la Lluvia”, de Lot Vekemans. Con: Blanca Oteyza y Sergio Otegui. Dirección: Miguel Ángel Solá. LOQUIBANDIA – CONCHA BUSTO.

Teatro Rosalía de Castro, 10 de Febrero de 2012.

Curioso experimento el que han creado la actriz Asunción Balaguer y el incombustible Rafael Álvarez El Brujo, en una apuesta tan sencilla como innovadora e inesperada. Tal vez sean estos tres últimos adjetivos los que mejor definan a este espectáculo, y tal vez también sean las razones por las que, precisamente, funciona.

La idea no puede ser más sencilla: Asunción Balaguer repasa durante una hora exacta, sola en un escenario minimalista, algunas de sus experiencias personales. Desde su niñez, con el divorcio de sus padres o la llegada de la República; hasta sus primeros pasos en el mundo de la interpretación, sus primeros encuentros con el inolvidable Paco Rabal y, por qué no decirlo, también sus primeros desencuentros. Y no hay más.

Cuenta Asunción Balaguer en una entrevista que este monólogo nació a partir de 16 horas de grabación de entrevistas con El Brujo, que se ha encargado de condensar toda esta información, escribir el monólogo y dirigir el espectáculo. Como él sabe hacerlo, con ritmo fluído, elegancia minimalista y sentido del humor.

Lo confieso: cuando hace año y medio la vi en El Pisito, jamás pensé que volvería a ver a Asunción Balaguer (1925-) sobre un escenario, y mucho menos imaginé verla sumergida en la soledad del monólogo. Desde luego, me equivocaba rotundamente, porque encima demuestra que aún puede ofrecer cosas nuevas, lanzándose a un género rara vez explorado sobre las tablas, como es el monólogo autobiográfico. Una mujer incombustible. 

Un espectáculo de estas peculiares características solo tiene sentido con una artista como ella: alguien que esté de vuelta de todo, y que esté completamente lúcida; también que sea absolutamente cercana a la hora de comunicar con el público, pero, por encima de todo, absolutamente entrañable. Todo esto está, en Balaguer, y, siendo así, poco importa hasta la ligera amplificación de la que se ayuda (tal y como hace El Brujo en sus espectáculos).

De este espectáculo sorprenden muchas cosas: primero, el hecho de que se haya prestado a llevar a las tablas su propia vida; segundo (y esto se agradece particularmente) que no haya decidido tomar un punto de vista excesivamente amable ni excesivamente edulcorado: hay lugar para momentos entrañables, e incluso para anécdotas intrascendentes; pero también para reflexiones más oscuras (concretamente habla de forma extensa de una importante crisis con Paco Rabal, que: “llevaba semanas viviendo en un hotel en Madrid, mientras yo estaba en casa con los niños“.). Todo está contado desde la sinceridad y desde la consecuencia. Y esto, cuando se presenta un espectáculo de estas características, es algo que se agradece.

Podremos dudar de la teatralidad de lo que estamos viendo (porque aquí no hay ficción por ninguna parte), pero lo cierto es que engancha y conmueve a partes iguales.  Así, en un curioso experimento, el público se va enganchando a la realidad y se va conmoviendo con la vida en sí misma la vida. La reflexión sobre este aspecto (la veracidad de lo que estamos presenciando) también resulta muy interesante.

A estas alturas, posiblemente aún se preguntarán por qué el espectáculo se llama El Tiempo es un Sueño. Es el título de una compleja obra de René Lenormand que Balaguer interpretó siendo adolescente, y que la marcó especialmente porque, como ella misma confiesa, en aquel momento no podía entenderla, pero ahora, desde la experiencia que dan los años, sí.

Posiblemente, si el espectáculo hubiera durado dos horas se acabaría cayendo en el tedio. Con una hora redonda y sin mayores pretensiones, se convierte sin embargo en una experiencia entrañable y gratificante a partes iguales, que acerca a la persona (no podía escribir “al personaje” aquí) al público. El final, con la poderosa voz grabada de Paco Rabal resonando en el teatro, tan acertado como espectacular.

Quiero acabar con una reflexión: si el personaje es interesante y sincero, como ocurre aquí, el género del monólogo autobiográfico puede dar mucho de sí. Más de uno debería planteárselo.

Nota: 3/5

“El Tiempo es un Sueño”, de Rafael Álvarez “El Brujo”. Con: Asunción Balaguer. Dirección: Rafael Álvarez “El Brujo”. JUANJO SEOANE PRODUCCIONES.

Teatro Rosalía de Castro, 27 de Enero de 2012.

No cabe duda de que J. B. Priestley vuelve a estar de moda. Si últimamente se han visto dos montajes distintos de Llama un Inspector, ambos incluyendo nombres importantes de la escena española, ahora hay que añadir este de El Tiempo y los Conway, quizá la gran obra maestra del autor inglés por la perfecta arquitectura del texto.

El presente montaje lo firma Juan Carlos Pérez de la Fuente, un hombre inteligente que sabe ofrecer clásicos no siempre muy representados (recordemos su versión de Angelina, o el Honor de un Brigadier, de Jardiel Poncela) servidos con elegancia y con actores interesantes. Cualidades que vuelven a estar presente en esta nueva propuesta.

Texto complejo, por la estructura, por el número de personajes y por la carga dramática, pero plenamente actual, porque no hace otra cosa que reflejar temas universales como la desestructuración familiar, lo impredecible del destino y los estragos que puede hacer el paso del tiempo en las personas y en las ilusiones. Dos flashes de la familia Conway a lo largo de 20 años, estructurados en tres partes (presente-futuro-presente) llaman a la reflexión del espectador, en un texto de marcada intensidad dramática, aunque no exento de cierta ironía.

El presente montaje huye de todo realismo y coloca a los personajes en un espacio (del propio Pérez de la Fuente) tan sencillo como estético y antirrealista: los cálidos rojos del tiempo presente contrastan con los pálidos blancos del tiempo futuro, a la vez que las paredes de la casa se van derrumbando progresivamente, convirtiendo el espacio en más y más opresivo. La escenografía se apoya también en un juego de telones, y en una sugerente iluminación de José Manuel Guerra. Fuera de todo tiempo, solo uno de los personajes, la pequeña Carol, es capaz de desplazar el tiempo, portando un maniquí (inerte, como pronto lo será ella misma) que observa la acción desde una esquina del escenario. Elegante y variado, como no podría ser de otra forma en esta obra, el vestuario de Javier Artiñano.

Dos hechos causan conflicto en esta obra a la hora de plantear un reparto: sus 10 personajes y los 20 años de separación que hay entre unos actos y otros, algo que exige muchísimo trabajo a los actores por cuestiones obvias. Aquí hay un potente elenco actoral, con alguna interpretación memorable, capitaneado por una Luisa Martín que afronta uno de los papeles teatrales más importantes de su carrera, como una Señora Conway de máxima solidez, capaz de recorrer de manera convincente la amplia gama de estados de ánimo por los que pasa su personaje: puede ser irónica, odiosa o tremendamente digna, como cuando le canta las cuarenta a su yerno, porque ya no le queda nada que perder (culmina su monólogo con una sonora e inolvidable bofetada), o cuando les recuerda uno a uno a sus hijos en qué se han convertido. Este es un momento de cortar la respiración, pero hay mucho más en la creación de su personaje. Aquí es casi un bastón en el que se apoyan todos los demás. Por edad, será improbable que pueda ser la madre de sus hijas mayores, pero está tan convincente que uno pronto hace dogma de fe. Es una intérprete importante y con mucho que decir; mucho más que un producto televisivo.

El resto del elenco femenino incluye sorpresas agradables. La Kay de Nuria Gallardo, en otro trabajo actoral ciertamente formidable, sufre una transformación brutal en todos los aspectos entre el presente y el futuro (por momentos parecen dos actrices), y alcanza momentos de marcada emoción cuando es la única capaz de comprender la que se les viene encima. Es otro puntal del montaje. También la Madge de Chusa Barbero, sólida como una roca, se luce cuando, tras soportar la enésima humillación de su madre, se muestra resuelta a intentar continuar adelante con lo que tiene. Una construcción que llena de dignidad al personaje. En el papel de Carol, sorprende muy positivamente la encantadora frescura juvenil de una Ruth Salas aniñada en aspecto y formas (a pesar de que, consultado su currículum, debe superar con creces la edad de su personaje), que sabe encontrar su lugar y exprimir sus momentos (expone muy bien su alegato a la vida, que es un gran puñetazo al espectador), y que deja con ganas de más. Débora Izaguirre es una Hazel que funciona mejor como esposa reprimida que como jovencita casadera, mientras que Alba Alonso (vayan ustedes sumando la cantidad de rostros televisivos que tiene este montaje) está en general solvente, aunque en ocasiones un punto sobreactuada, como Joan Helford.

En el grupo masculino, Juan Díaz (otro actor  muy ligado a la pequeña pantalla) pisa fuerte como un sólido actor teatral capaz de aportar matices al tarambana Robin, marcando bien su apogeo y caída, mientras que Alejandro Tous (más caras televisivas al canto) podría sacar adelante con cierta suficiencia (tampoco más) el papel de Alan si no dejase pasar su escena capital: la de la  lectura del poema de William Blake a su hermana Kay. Aquí, aparece monocorde y con dificultades de dicción. Una pena, porque es un momento importante para lo que está por venir, y no consigue transmitir al espectador ni la intensidad dramática ni el significado del texto. Cuando se retoma la escena al final, a uno le cuesta recordar qué era lo que decía, y eso no debería ocurrir. Suerte que el poema aparece reproducido en el programa de mano… A Román Sánchez Gregory, en el personaje de Ernest, hay que aplaudirle, ante todo, su trabajo de transformación: apenas reparas en él en el primer acto, pero cuando ves la bestia humillada en la que se ha convertido en el segundo (y cómo le mantiene el tipo a Luisa Martín/Mrs. Conway en su enfrentamiento), enseguida quieres saber más de él. Tal vez por esto, es uno de los puntales del tercer acto, junto a Ruth Salas. Por su parte, Toni Martínez es un Gerald de múltiples caras, que va a más conforme avanza la función. Solo se le puede reprochar alguna leve pérdida con el texto.

Mover a diez actores en dos tiempos es un reto complicado que Juan Carlos Pérez de la Fuente soluciona dirigiendo sin miedo y con dinamismo, aunque sabe también focalizar la acción sobre algún personaje cuando es necesario.

El resultado, un elegante montaje de un texto que sigue plenamente vigente (y, tal vez, ahora que estamos inmersos en una crisis más que nunca), con un buen número de actuaciones de nivel, ya sea de actores consagrados o de savia nueva. Recomendable.

Nota: 4 / 5

“El Tiempo y los Conway”, de J. B. Priestley. Versión de Luis Alberto de Cuenca y Alicia Mariño. Con: Luisa Martín, Nuria Gallardo, Chusa Barbero, Juan Díaz, Alejandro Tous, Débora Izaguirre, Román Sánchez Gregory, Ruth Salas, Toni Martínez y Alba Alonso. Dirección: Juan Carlos Pérez de la Fuente. PÉREZ DE LA FUENTE PRODUCCIONES.

Teatro Rosalía de Castro, 14 de Enero de 2012

Las fechas navideñas me han obligado a retrasar unos días el comentario acerca de Las Mujeres de Shakespeare, el espectáculo que cerró la temporada teatral 2011 del Teatro Rosalía de Castro, pero aquí está finalmente.

De los espectáculos de El Brujo hay dos cosas que siempre me han fascinado: primero, el hecho que que aunque podamos dudar de su verdadera teatralidad, siempre sigan resultando espectáculos de primera calidad; segundo, su inmensa capacidad didáctica, capaz de aleccionar por igual a novatos e iniciados.

En su nuevo y flamante monólogo, El Brujo revisa desde su peculiar estilo a algunas de Las Mujeres de Shakespeare. A través de una suerte de monólogo-conferencia, Rafael Álvarez no solo contextualiza al autor, sino que tiene además tiempo para dejar patente que Shakespeare es un autor mucho más cercano y llano de lo que la Historia y los eruditos nos quieren hacer creer. Cosas que en una facultad donde se estudie Literatura Inglesa harían rabiar al más encorsetado de los profesores. Recuerda El Brujo, siempre desde una ironía tan mordaz como acertada, que parte de la culpa de que Shakespeare sea considerado un autor culto y de culto la tiene Harold Bloom, crítico que es la verdadera vaca sagrada en materia shakesperiana, y que, en palabras de El Brujo no es más que “un hombre que quiere saber mucho sobre Shakespeare para creerse casi mejor que el mismo Shakespeare”. No me hagan mucho caso, pero creo que no le falta razón.

Hay tiempo también para revisar algunos juegos de palabras con doble sentido en algunos de los más celebrados monólogos del autor inglés, que demuestran que Shakespeare escribía mucho más para el pueblo llano que para otros públicos más eruditos. Cierto es, pero esto tampoco se aprende en ninguna clase, ni en ninguna conferencia de especialista… Ni siquiera cuando uno lo lee, a no ser que una mente preclara (aquí hay una) sea capaz de señalarlo… Lástima. Menos mal que está él aquí.

Y nos quedan las mujeres de Shakespeare que dan título al espectáculo. Como evidentemente hay muchas, El Brujo ha seleccionado un breve puñado de las más virtuosas, evitando caer en el ABC de la mujer de Shakespeare: están la Rosalinda de Como gustéis, la Catalina de La Fierecilla Domada, la Beatriz de Mucho Ruido y pocas Nueces y la Julieta. A través de dramatizaciones de fragmentos de las obras en que aparecen, no titubea El Brujo a la hora de traer las realidades de estas mujeres  a la más rabiosa actualidad, y no deja títere con cabeza, en un curioso proceso de desmitificación. Es cierto que faltan muchas de mis favoritas (pero es que tampoco mis favoritas son las más virtuosas que digamos…), pero no pueden estar todas. Las que están, están tratadas con un humor y a la vez con un respeto que debería aplicarse en muchos ámbitos académicos sin miedo.

Y todo esto salpicado con anécdotas de aquí y allá, que muchas veces nada tienen que ver con Shakespeare. Algo que genera una sensación de improvisación contínua (supongo que habrá mucho de improvisación), pero que le da al espectáculo ese algo tan propio del Brujo. Un actor capaz de soportar las impertinencias más insospechadas: durante casi una hora, un bebé no paraba de llorar… y Rafael Álvarez no solo no se detuvo, sino que además fue capaz de reírse de la anécdota con la mayor normalidad. Otros hubieran parado el espectáculo.

Un violinista (Javier Alejano) es su único acompañamiento en un espacio escénico (Roberto García) tan básico como elegante, muy bien iluminado (Miguel Ángel Camacho) y aprovechado por el actor, recitante, conferenciante, humorista… o todas a la vez, como quieran.

Y al final, como pasa casi siempre con El Brujo, uno sale del teatro con la sensación de no saber muy bien qué es lo que ha visto exactamente; pero también con la sensación de haber visto un espectáculo ameno e instructivo, y que esconde muchas verdades calladas detrás de tanta comedia… Y con la sensación de que, de tanto en tanto, este señor debería dar alguna clase magistral en las Facultades de Letras, por aportar otro punto de vista que empieza a necesitarse con cierta urgencia… Y os lo dice alguien que de Shakespeare sabe un poquitín.

Nota: 4/5

“Las Mujeres de Shakespeare”. Con: Rafael Álvarez “El Brujo y Javier Alejano. Dirección y monólogo: Rafael Álvarez, sobre textos de William Shakespeare.

Teatro Rosalía de Castro, 16 de Diciembre de 2011.

En una época en la que el teatro transita por nuevos lenguajes y busca constantemente innovar, hay que considerar tan novedosa como arriesgada esta coproducción entre el Centro Andaluz de Teatro y el Centro Dramático Gallego. La Noche de Max Estrella puede parecer el eterno regreso a Luces de Bohemia, pero lo cierto es que, por su lenguaje y planteamiento, es un producto bastante diferente del original.

La Noche de Max Estrella viene a ser una dramaturgia que pretende contar la obra de Valle-Inclán desde el punto de vista del ciego, de Max Estrella, sumiendo al público en las mismas tinieblas que ve nuestro protagonista (único actor real de esta propuesta) y completando las escenas en que este sale con las voces (pregrabadas) del resto de los personajes. Para ello, se ha preparado una potente y sugerente videocreación en varios planos (pintura, fotografía digital y vídeo, en un sensacional trabajo que firma Pilar Millán) unida a la propia iluminación de María Puche. Estos elementos sirven para crear un ambiente oscuro, onírico y tan estimulante como inquietante, que permite al espectador tanto imaginar como paladear este sugerente mundo visual en el que se ve sumergido. La dramaturgia visual, sonora y de vídeo la firma Rafael Abolafia: como idea tiene su interés indiscutible, y el resultado visual tiene una fuerza narrativa importante.

Pero esta idea, arriesgadísima, tiene también no pocos problemas, siendo el principal la compleja dramaturgia de Francisco Ortuño Millán, que exige que el espectador conozca en profundidad la obra de Valle-Inclán. Para los que la conocemos, sabemos cómo funciona y qué es lo que ocurre en cada momento, de dónde viene y adónde va, el resultado del experimento tendrá su interés; pero aquellos que lleguen vírgenes o con la obra verde a ver el espectáculo –que seguro que los habrá- tendrán serios problemas para el seguimiento de la trama, en este enfoque onírico y caótico en que esta vez se presenta. Es una opción, no cabe duda, pero no deja de ser teatro para iniciados, no siempre accesible a cualquier público. También puede generar problemas el hecho de que la obra acabe, obviamente, con la muerte de Max Estrella: falta todo el final, con lo cual hay reflexiones importantes que no se escuchan, y la tan traída y llevada historia del billete de lotería queda en nada, con lo que se aumentará la confusión de quienes no conozcan la obra. En otro orden de cosas que deben mejorarse, la grabación de las voces que acompañan a Max Estrella en los diferentes personajes (más de 20 actores) permite siempre seguir los textos con claridad; algo que debería solucionarse de alguna manera. La capital escena del Preso Catalán, por ejemplo, está bastante mal grabada, y apenas se puede captar el contenido hermosísimo del texto. Este detalle del sonido baja algún que otro entero al espectáculo. Firma el sonido Isaac Garabatos.

En toda esta compleja propuesta, es capital la aportación del actor. Carlos Álvarez-Novoa tiene mucha experiencia en la piel de Max Estrella, y sale a bien de una empresa harto complicada: es un Max rotundo en voz y presencia, cercando al ideario común existente sobre este personaje, y se enfrenta a la nada que le rodea completamente convencido de que todo aquello que no ve está realmente ahí, y convenciendo también al público (al público experimentado, claro) de estas presencias. No es tarea fácil, y lo consigue.

División de opiniones entre el público al final para un espectáculo que, pese al interés indudable, no parece pretender llegar a todo un público, sino solamente a un sector iniciado en el clásico de Valle-Inclán. Hay que hacer este tipo de teatro, indudablemente; pero también se debe advertir sobre la preparación necesaria ante lo que se va a presenciar. No estaría de más.

Nota: 2.75/5

“La Noche de Max Estrella”, sobre “Luces de Bohemia”, de Ramón María del Valle-Inclán. Con: Carlos Álvarez-Novoa. Dramaturgia y dirección: Francisco Ortuño Millán. Coproducción Centro Andaluz de Teatro / Centro Dramático Gallego.

Teatro Rosalía de Castro, 9 de Diciembre de 2011.

Espectáculo en lengua gallega.

Voy mucho al teatro, y sé que son muy pocas las veces que una función consigue implicarte casi desde el primer instante, canalizar toda tu atención, implicarte completamente y conseguir que dejes de pensar en todo lo que no sea lo que está sucediendo sobre el escenario. El (buen) teatro debería ser siempre así, pero, por desgracia es algo que no siempre sucede. Con esta función de Unha Hora na Vida de Stefan Zweig, que presenta la compañía gallega Lagarta Lagarta, me ocurrió justamente esto: fuerte implicación mental y emocional del primer al último instante, e incluso diría que in crescendo. Esa extraña sensación de estar viendo algo cercano al teatro en su máxima expresión.

Buena parte de la culpa la tiene el descomunal texto de Antonio Tabares (Canarias, 1973), que está escrito con ritmo cinematográfico, profundiza sin temor en temas que deberían remover las conciencias de todos, y consigue justamente eso: que pensemos, que nos conmovamos y que entendamos a unos personajes que aparecen magistralmente perfilados y cargados de humanidad, aún cuando sabemos desde el primer instante cuál va a ser su destino final.

Antes de empezar a tratar sobre la obra, y aún a riesgo de hacer esta entrada demasiado larga, me parece interesante transcribir la carta de suicidio con la que nuestro protagonista, Stefan Zweig, se despide del Brasil en el que está exiliado:

“Declaración”

Antes de partir de la vida, con pleno conocimiento, y lúcido, me urge cumplir con un último deber: agradecer profundamente a este maravilloso país, Brasil, que me ofreció a mí y a mi trabajo una estancia tan buena y hospitalaria. Cada día aprendí a amar más este país, y en ninguna parte me hubiera dado más gusto volver a construir mi vida desde el principio, después de que el mundo de mi propia lengua ha desaparecido y Europa, mi patria espiritual, se destruye a sí misma.

Pero después de los sesenta se requieren fuerzas especiales para empezar de nuevo. Y las mías están agotadas después de tantos años de andar sin patria. De esta manera considero lo mejor, concluir a tiempo y con integridad una vida, cuya mayor alegría era el trabajo espiritual, y cuyo más preciado bien en esta tierra era la libertad personal.

Saludo a mis amigos. Ojalá puedan ver el amanecer después de esa larga noche. Yo, demasiado impaciente, me les adelanto.
Stefan Zweig

Petropolis 22. II. 1942

Tabares nos sitúa en la tarde del 22 de Febrero de 1942, cuando el escritor austríaco Stefan Zweig (1881-1942) y su segunda esposa Lotte, exiliados en Brasil ante la seguridad de la expansión nazi, toman la decisión de suicidarse. Stefan está resuelto a hacerlo, Lote, aunque en principio duda, parece dispuesta acompañarle en un acto de amor. Cuando todo está apunto, los Zweig reciben la visita de Samuel Fridman, un hombre un tanto misterioso que se presenta con una carta de recomendación de Richard Strauss (para quien Zweig había escrito el libreto de La Mujer Silenciosa) solicitando ver al escritor. Solo tiene una hora, el tiempo que queda antes de que parta su tren. Esta visita comenzará como una charla cordial, y acabará derivando en un thriller, conforme se va intuyendo que hay algo turbio en la figura del visitante, y que algo no encaja en la historia que está contando. En esta larga conversación a tres bandas, habrá tiempo para hablar de la producción literaria de Zweig, de la situación de la Alemania nazi, de las libertades individuales, del suicidio como vía de escape… y, sobre todo, habrá tiempo de poner al descubierto las motivaciones de vida de tres personajes muy diferentes entre sí.

La forma en que fluyen los diálogos, la caracterización psicológica de los personajes y la profundidad de los temas que se tratan, aún desde la cercanía, convierten a este texto en una obra maestra que te atrapa y ya no te deja escapar, te conmociona y te hace salir del teatro con un nudo en la garganta y haciéndote preguntas. Aún sabiendo el final (un final que hábilmente se elude, escapando del morbo gratuito, y sustituyéndolo por una escena mucho más emocionante si cabe), los personajes tienen un recorrido psicológico importante: hay un cambio justificado en el matrimonio Zweig entre el principio y el final de la obra, y hay una humanidad estremecedora en los diálogos (sobre todo en los de Lotte y el visitante Fridman, que es perfectamente consciente de lo que le ocurre -algo que, por supuesto, no voy a contar aquí-).

El montaje es sencillo, pero de una eficacia arrolladora. Apenas una sábana, dos mesas y algunas sillas para recrear el salón de la casa de los Zweig.  No necesita más la económica escenografía diseñada por Ernesto Chao, porque es elegante y está muy bien iluminada por Alfonso Parra. También la música está muy bien seleccionada por Tero Rodríguez, y la traducción al gallego de Avelino González y Olga Nogueira huye acertadamente de cualquier efectismo poético gratuito. Rosa Álvarez dirige con inteligencia: a pesar de contar tan solo con tres personajes, hay una tremenda sensación de naturalidad en lo que se ve; y dos escenas francamente plásticas abriendo y cerrando la función.

En el reparto, quizá Ernesto Chao no consiga captar tanto la atención del espectador como Stefan Zweig, porque el personaje en sí está pintado en la propia obra como ciertamente antipático, y parece contagiarnos esa antipatía y quedarse algo distante de las cosas que suceden. Un poco más de humanidad e implicación dramática ocasionalmente no sobrarían. Pero si alguien desborda humanidad en este montaje es una Belén Constenla que hace una autética creación del personaje de la mujer sufridora en silencio de Zweig, Lotte: transmite una serenidad, una dignidad y una sensibilidad (también una tremenda resolución al final) que son muy de agradecer, y acaba convirtiéndose auténtico motor de la acción, porque el espectador termina por implicarse más con ella que con el propio Stefan. Del personaje de César Cambeiro, el extraño visitante, obviamente no se puede contar mucho: solo que es dificilísimo por lo complejo del carácter y que, en manos de un mal actor podría haber caído en un histrionismo exagerado; no sucede jamás con Cambeiro, que sabe medir siempre el tono y las formas para crear un hombre creíble, por momentos desesperado pero nunca jamás patético. Hay que ser muy bueno para hacerlo así, aplausos merecidos también para él.

Y al final, esa sensación de implicación máxima, ese nudo en la garganta y una doble necesidad: la de aplaudir con fuerza y sinceridad, y la de tomarse un tiempo antes de lograr salir mentalmente de la obra. Cosas que pasan solo con el buen teatro. Esta obra deja poso. Vaya que si lo deja. Háganse un favor y compren el texto, o vayan a ver este hermoso espectáculo si están ustedes por Galicia. Profundamente emocionante.

Nota: 4.4 / 5

“Unha Hora na Vida de Stefan Zweig”, de Antonio Tabares. Con: Ernesto Chao, Belén Constenla y César Cambeiro. Dirección: Rosa Álvarez. Traducción:  Avelino González y Olga Nogueira. LAGARTA LAGARTA.

Teatro Rosalía Castro, 2 de Diciembre de 2011.

Precedida por más de dos años de gira de gran éxito llegó a A Coruña Mi Mapa de Madrid, de Margarita Sánchez. Dice la directora Amelia Ochandiano en su nota al programa de mano (escrita por cierto a modo algo confuso) que: “Asistí a una lectura de la obra y salí emocionada por dos razones, una y la principal por ver cómo la evolución de la escritura de Marga había sido espectacular y la lectura de la obra fluía como un río caudaloso”. (sic). Nada se nos dice de cuál es la otra razón, pero, a la vista del resultado, me veo en la obligación de hacer alguna consideración.

 Se trata de una comedia dramática costumbrista en el más amplio sentido del término, que muestra retazos de la vida de un grupo de madrileñ@s  del mismo barrio. Retazos, momentos, anécdotas que aparentemente poco tienen que ver entre sí, pero que acabarán confluyendo en un epílogo final (colocado por cierto en último momento por la autora a petición de la directora), donde cada personaje explica su destino al ritmo del Bolero de Maurice Ravel.

Esta (que curiosamente no formaba parte de la obra original) es la escena mejor construida de toda la pieza, por el ritmo y la fluidez con que se va desencadenando, y porque es en la que más avanza la acción. Durante el resto de la obra, a uno le da la sensación de ver momentos inconexos que necesitan ser completados para enganchar, y para que sepamos de dónde vienen y a dónde van todos estos personajes: algo así como si uno pasease, mirase un momento y pasase de largo por la falta de interés. Unos personajes que están ahí, son relativamente cercanos y están bien perfilados, pero que parece que bien llevados habrían podido dar mucho más juego que el que Sánchez les saca en su texto. Es cierto que la acción y el interés van (muy) in crescendo, y que las escenas de los parroquianos en la taberna enganchan mucho más que las del patio de vecinas que abre la obra, pero es inevitable pensar que algo falta en una obra que tiene influencias del sainete zarzuelístico, del esperpento valleinclanesco, e incluso de alguna sitcom española.

Sobre el escenario hay personajes perdedores, condenados a perder y a aferrarse a lo que esté más cerca para intentar salir adelante. Una gran tragedia planteada en clave cómico, que podría haber sido un material mucho más jugoso de lo que es, porque los perfiles son buenos. y las historias asoman ocasionalmente, pero, cuando la cosa está empezando a fluir, y la autora tiene (¡por fin!, más vale tarde que nunca) cogido el pulso de su propio texto, decide resolver en vez de estirar un poco más el chicle. Lástima.

Es una lástima, ya digo, porque el montaje es honesto, y está bien dirigido por Amelia Ochandiano, visiblemente preocupada por que haya acción en escena (tanto que, sin que haya un motivo poderoso para ello, ha bajado parte de la acción a la platea, en una política de ruptura de la cuarta pared que cada vez es menos novedosa y más molesta…) y que firma junto con Teresa Rodrigo una discreta pero aparatosa escenografía, apoyada en algún curioso efecto de iluminación de Víctor Blázquez.

El elenco, esencialmente coral, funciona con acierto, y todos parecen estar muy convencidos de lo que hacen. A pesar de que Ochandiano ha declarado varias veces que le gustan las funciones que cuenten con personajes femeninos potentes, en esta los masculinos están mejor perfilados en el contenido. Hay espléndidos trabajos de Adolfo Pastor (un marido canalla y manipulador hincha del Real Madrid); Pablo Viña y Ángel Burgos como unos hermanos mellizos que se pisan constantemente las frases, cual si fueran los de Alice in Wonderland; y José Luís Gago como el tabernero. Todos ellos dejan un divertido y delirante momento, que no se puede desvelar. Burgos hace doblete como un limpiacristales que acabará siendo importante en el devenir de la trama. Los personajes femeninos tienen menos interés por el contenido del texto, a pesar de estar también muy bien servidos: Estrella Blanco está curtida en el mundo zarzuelístico, y esto le deja mucho camino hecho a la hora de construir su sainetesco personaje, Saturna Barrio aporta naturalidad al suyo, y la veterana Amparo Pamplona como falsa vidente está simpática, aunque resulta imposible no pensar que está bastante desaprovechada.

La cosa tarda en arrancar, y cuando lo hace y uno ya está metido dentro, llega apresuradamente el epílogo que, aunque está brillantemente resuelto, deja al espectador extrañado, y deseoso de saber más cosas. Revisar la estructura del texto no estaría de más para redondear un espectáculo que cuenta con un equipo de máxima eficacia, que ha apostado fuerte por él.

Nota: 3/5

“Mi Mapa de Madrid”, de Margarita Sánchez. Con: Estrella Blanco, Amparo Pamplona, Saturna Barrio, Adolfo Pastor, José Luís Gago, Pablo Viña y Ángel Burgos. Dirección: Amelia Ochandiano.

Teatro Rosalía de Castro, 25 de Noviembre de 2011 

Espectáculo en lengua gallega

Después del éxito del pasado año con Un Cranio Furado* (A Skull in Connemara), era de esperar que Excéntricas Produccións Teatrais apostase sobre seguro, completando en Galicia la llamada “Trilogía de Leanne” (que comenzó hace unos años Teatro do Atlántico con A Raiña da Beleza de Leanne) del angloirlandés Martin McDonagh (1970-), con Oeste Solitario (The Lonesome West).

Así lo han hecho, y el resultado es un acierto, porque, si la trilogía en sí misma comparte no solo el emplazamiento (Leanne), sino  referencias a varios personajes, las dos primeras entregas de la trilogía (aquel Cranio y este Oeste) comparten un aire de comedia negra (o, mejor dicho, parodia de la comedia negra), mientras que A Raiña… se mueve mucho más en el terreno del drama social.

Oeste Solitario nos coloca en la que podría ser la casa de los vecinos de los personajes de Cranio Furado, no mucho después del final de la obra anterior (porque estos lo saben todo de aquellos, y las referencias conectadas entre una y otra obra son constantes). Esta vez son dos hermanos, Colemann y Valene Connor, que acaban de enterrar al padre, muerto en un extraño “accidente”. Lo excéntrico y agresivo de las personalidades de ambos hace la convivencia ciertamente complicada, y, por supuesto, la mierda no tarda en salir a la superficie. Completan el cuadro el cura del pueblo, con sus constantes crisis de fe por vivir en ese “pueblo de asesinos”, y la jovencita que trafica con el whisky de su padre mientras intenta calentar a propios y extraños. Obviamente, todos esconden algo, y el resultado es una comedia negra paródica que puede tener varias lecturas, tan válidas como distintas entre sí. 

Por más que Cranio y Oeste sean dos comedias en esencia, esta es mucho más profunda que aquella, por las múltiples referencias religiosas que hay aquí (ya sea por boca del cura o por medio de las fundamentales figuras de santos que Valene colecciona compulsivamente) o porque los personajes tienen un transfondo personal que no aparecía tan marcado en el Cranio.

Quico Cadaval busca repetir con Oeste Solitario la fórmula con la que triunfó clamorosamente en Cranio el año pasado, y casi le sale: vuelve a confiar la escenografía a Marcelino de Santiago “Kukas” (que firma un espacio alejado de lo realista, y que recuerda no poco al de aquella obra, muy bien iluminado por Octavio Más), y hace una lectura de comicidad extrema, retranqueira, un punto freak, con referencias a la narración cinematográfica, e incluso al cómic, y alejada de cualquier realismo. Como Cadaval es buen cómico, la fórmula le funciona en las escenas de los dos hermanos, que alcanzan unos niveles de surrealismo de una comicidad irresistible; sin embargo, queda algo peor resuelta la larga escena del cura con la chica Girleen, que resulta fundamental para entender las motivaciones de ambos personajes, e incluso para el desarrollo del resto de la obra. En esta escena, más larga y más densa que las demás, decae el ritmo narrativo y disminuye el interés, sin que los actores puedan hacer nada por evitarlo; habría que revisarle el tempo para redondear el resultado final, porque esta escena seria parece fundamental en el devenir de la trama; en las demás, sin embargo, se impone la comedia y el delirio (y el buen hacer de la pareja protagonista) ayudan al triunfo de la propuesta.

Por otro lado, siendo anglófono (y conociendo la dificultad del lenguaje coloquial que usa McDonagh), no puedo dejar de aplaudir la magnífica fluidez de la traducción al gallego de Avelino González que, si bien no soluciona con claridad el problema relativo a la pronunciación fonológica del nombre del cura (es difícil, por no decir imposible, si se mantiene intacto el apellido Welsh), sí vuelve a aportar un texto rico en blasfemias gallegas varias. Y, con estos textos, es más difícil de lo que parece. Bravo.

Algo desigual un reparto en el que brillan mucho con luz propia Evaristo Calvo y Víctor Mosqueira como los hermanos Connor, auténticos motores de la acción. Llevan el peso de la obra y son gran parte del motivo del éxito: la química que hay entre ambos es más que evidente (por algo llevan trabajando juntos durante años), su lenguaje gestual es de una potencia a prueba de bomba, y saben convertir su agresividad y seriedad en algo que termina por ser desternillante: son más graciosos cuanto más serios se ponen. La larga escena de las confesiones, casi al final, alcanza uno nivel delirante que justifica por sí solo el visionado de la función. Están los dos tremendos, sin aspavientos y con el mero uso del gesto y la palabra. Grandes.

En los papeles más breves (pero quizá también los más conflictivos por la ambiguedad del contenido), encontramos a un Marcos Correa que, aún entrando en el juego de la pareja protagonista, no termina de redondear su personaje: está bien en la parte más grotesca y bufonesca, pero debería marcar más el cambio que se produce conforme se va derrumbando, porque, como ya digo, es fundamental para la historia. Por su parte María Lado no termina de entrar en un personaje que, a pesar de la brevedad, acaba siendo bastante más complejo de lo que parece en un principio por lo que esconde; en general, se la ve un poco perdida en el escenario. Ambos cargan con una escena larga e importante, y, sin embargo, no logran sacarle todo el jugo que lleva dentro.

Con todo, el resultado es un espectáculo divertido, ágil la mayor parte del tiempo, con muchos puntos de ingenio y con dos actores de calidad que elevan (¡y de qué forma!) el nivel de una propuesta que, si bien no es tan redonda como lo era el Cranio (estaba difícil), sí es un producto notable, que aún se podría redondear. Seguramente, llegado el momento le caerán unos cuantos premios merecidos. Solo un consejo: ahora que están las dos obras en repertorio, sería un ejercicio muy interesante presentar ambas en noches consecutivas en el mismo teatro.

*Cuando escribo ”Cranio”, estoy respetando la transcripción exacta del título de la traducción de Avelino González.

Nota: 3.75 / 5

“Oeste Solitario” (The Lonesome West), de Martin McDonagh. Con: Evaristo Calvo, Víctor Mosqueira, Marcos Correa y María Lado. Dirección: Quico Cadaval. Traducción: Avelino González. EXCÉNTRICAS PRODUCCIÓNS TEATRAIS.

Teatro Colón NovaCaixaGalicia, 24 de Noviembre de 2011.

A estas alturas, nadie discutirá que La Familia de Pascual Duarte no pretende ser una novela agradable. No lo es. Partiendo de esta premisa, adaptar la obra al teatro puede parecer algo harto complicado: por un lado, porque para ofrecer la obra en toda su honestidad, habría que ofrecer un espectáculo descarnado; por otro, porque existe el riesgo de convertir este espectáculo en algo desagradable, de difícil digestión para el público general. Pero, tratándose de esta obra, así debería ser.

La adaptación de Tomás Gayo parece ser perfectamente consciente de esta peligrosidad y se ha ido por el camino más fácil, posiblemente en un intento de suavizar y acercar la obra al gran público. Su adaptación es lenta de ritmo, excesivamente narrativa (por medio de extensos monólogos de Pascual Duarte) y pasando bastante de puntillas por la violencia implícita y explícita que hay en el texto de Cela. Ya sea porque algunos fragmentos (las muertes del padre y del hermano pequeño, por poner dos ejemplos) aparecen solo como narración, o bien porque las escenas que sí se presencian no están explicitadas con todo el componente cárnico y la crudeza que parece pedir la novela, sino más bien con un lenguaje poético más apto al teatro más clásico. Además, ciertos personajes (el párroco o el mismo Pascual) aparecen humanizados (o satirizados) hasta unos extremos que casi los vuelven amables, algo bastante desaconsejable, dada la tónica de la novela.

El reparto es bastante imponente, eso es innegable, y está lleno de rostros televisivos que demuestran que también son animales de teatro. Por razones que ignoro, y a pesar de que hay fotografías del originalmente anunciado Marcial Álvarez en los ensayos, finalmente el papel titular (larguísimo) recae en un Miguel Hermoso Arnao que, aún sin tener la entidad para hacer un protagonista de esta envergadura (a decir verdad, no consigue cautivar al espectador en sus largos monólogos) sinceramente, está mejor de lo que le esperaba: proyecta y vocaliza muy bien (y eso que viene de la tele…), y aporta con acierto ese cierto aire rústico que debe tener el personaje. Que sea más bonachón de lo que debería, habría que reprochárselo a la dirección escénica. Pero, ya digo, el papel es muy largo, y Hermoso aguanta el tipo. Es mucho más de lo que yo esperaba.

A pesar de la relativa brevedad del resto de los papeles, hay actores de primera magnitud. Lo mejor, son las mujeres de Pascual Duarte. Está enorme Lola Casamayor como una Madre castradora, casi lorquiana, que es una verdadera creación: además, es casi la única que aporta un interesante componente verista en la escena de su muerte. Vuelvo a toparme con Ana Otero, y sigue pareciéndome una estupenda actriz: es intensa, honesta, entregada y rezuma humanidad por los cuatro costados como Lola, la mujer de Pascual. También se muere muy bien. Lástima de la brevedad de la parte, porque apetece verla más; además, también sabe entonar. Rosario, la hermana de Duarte, es Ángeles Martín (inolvidable en aquel hermoso espectáculo que era Y sin embargo te quiero…), aquí también adecuadamente rústica y descarnada cuando el texto la deja: mucha actriz para un papel que debería dar más de sí. Parece que están desaprovechando a una actriz muy interesante.

En papeles menores, Tomás Gayo se ha reservado el papel del cura, y cae a veces en un tono irónico que no parece el más aconsejable; sorprende la aparición de todo un Sergio Pazos en el papel brevísimo (2 escenas) del Estirao: lo hace bien, pero, ya que se cuenta con él, se le podría haber explotado un poco más. Cumple sobradamente Lorena del Val como la segunda mujer de Pascual (aunque sea casi inevitable compararla con Otero, y ahí salga perdiendo) y Mundo Prieto despacha sus dos frases.

La dirección escénica de Gerardo Malla se mueve en un espacio escénico minimalista de Mundo Prieto (apenas una pared, una cama, una mesa y unas sillas), da gran importancia al espacio sonoro (César Diéguez) y mueve bien las escenas de violencia,  pero tiende a dejar inmóvil a Pascual Duarte en los monólogos narrativos, y abusa de los silencios; aunque aporta algún momento ciertamente poético, como la escena de la ejecución.

El resultado es un espectáculo que se ve con agrado pero sin sobresaltos, y que acusa alguna que otra falta de ritmo, en general correcto pero poco atrevido. Es una lástima, porque el reparto, ya digo, es bastante potente, y está lleno de actores que parecen dispuestos a trabajar en algo tan cárnico como se les pida. Habría que ver qué hubiese ocurrido si se hubiera encargado de la adaptación alguien más atrevido. Y se me ocurren unos cuantos nombres sin salir de España: Calixto Bieito, Álex Rigola… Nombres en principio más afines al auténtico espíritu de esta obra.

Nota: 3/5

“La Familia de Pascual Duarte”, de Camilo José Cela. Versión teatral de: Tomás Gayo. Con: Miguel Hermoso Arnao, Lola Casamayor, Ana Otero, Ángeles Martín, Tomás Gayo, Sergio Pazos, Lorena do Val, Mundo Prieto. Dirección: Gerardo Malla. TOMÁS GAYO PRODUCCIONES.

Teatro Colón NovaCaixaGalicia, 12 de Noviembre de 2011